Louis Element & Johnny Williams, quando clonare porta buoni risultati

Louis Element & Johnny WilliamsNegli anni Novanta la Francia, oltre al filone (di popolarità mondiale) del French Touch, ha saputo districarsi anche tra i meandri della classica Eurodance, con diversi progetti che hanno raggiunto le classifiche italiane. Tra i team di produzione più attivi da menzionare è quello composto da Louis Element e Johnny Williams (pseudonimi rispettivamente di Louis Corte ed Harry Verschuere), che tra il 1995 e il 1999 riescono ad inanellare una serie di buone produzioni.

A volerla dire tutta, la maggior parte dei loro brani richiamano fortemente dischi di successo usciti sempre qualche mese prima, come ad esempio “The Future” di B-One, del 1996, fortemente ispirato da “Freed From Desire” di Gala, una delle hit internazionali di quell’anno. In Italia viene licenziato dalla UDP (gruppo DiscoPiù), etichetta che rileva anche “No Good” di Davis, nell’autunno 1998, che musicalmente strizza l’occhio ad “Horny ’98” di Mousse T. Sempre nello stesso periodo, sulla Do It Yourself di Max Moroldo e Molella, esce “A Sign” di Skyland, altro nickname utilizzato dai due francesi. Con un sample tratto da “Sweet Dreams” degli Eurythmics, ripercorre la scia di “Free” dei Bacon Popper dell’estate 1998 (in questa invece il sample è prelevato da “New Year’s Day” degli U2).

Il più grande successo per i due francesi arriva però nell’estate 1999, quando “Vamos A La Playa” di Miranda diventa un inno del periodo e proietta la modella di origini spagnole in vetta alle chart europee. A livello vocale è da segnalare la presenza di La Velle (Lavelle McKinnie Duggan), già chiamata in causa da Element e Williams per il progetto B-One qualche anno prima. Dopo “A La Fiesta” ed “Eldorado” cala il sipario sia su Miranda che sui produttori francesi, non in grado di replicare gli ottimi risultati degli anni Novanta. (Luca Giampetruzzi)

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Mauro Picotto – Vita Da DJ – From Heart To Techno

Mauro Picotto - Vita Da DJEra inevitabile che uno come Picotto, prima o poi, scrivesse un libro. Chi come lui può vantare una carriera pluriventennale alle spalle e migliaia di aneddoti, se lo può permettere. Di Vita Da DJ (col sottotitolo From Heart To Techno, omonimo del nuovo album uscito da pochi giorni e qui presente col CD sampler allegato) vale la pena subito evidenziare una caratteristica: non è pedante o lagnoso, l’autore dimostra di non essere affetto da kainotetofobia, non snocciola soliti luoghi comuni, frasi demagogiche e sterili apologie del passato ai danni di tecnologia demoralizzatrice e cose simili. O meglio, Picotto non manca di chiarire la sua posizione in più punti, come quando dice «sono fiero di essere nato e cresciuto col vinile ma non disdegno la comodità di usare il Traktor perché mi alleggerisce il bagaglio da viaggio» ma pone l’accento anche su questioni che probabilmente meritano più rilievo, soprattutto oggi, come quella dei «soliti intrallazzi di organizzatori, DJ e promoter influenti che decretano il talento sulla carta dei nuovi arrivi». Motivo per cui, talvolta, si fatica davvero tanto a scorgere le qualità e i meriti che rendono “top” certi “DJ”.

Essendo un’autobiografia, è ovvio che l’autore apra l’album dei ricordi tratteggiando la sua infanzia trascorsa a Cavour, un paesino di circa seimila abitanti nella provincia di Torino, e le fasi del suo avvicinamento alla musica elettronica, al clubbing e al DJing. La gavetta (indispensabile, lo rimarca bene) con un mixer Amtron a tre canali in kit di montaggio ed un piatto privo di pitch, le prime serate in compagnia del fratello Valter che si occupa delle luci, i tempi in cui fare il DJ è considerata un’attività senza futuro ed alla stregua di un passatempo. Poi la passione per lo scratch, la vittoria della Walky Cup Competition nel 1989 (in questa clip c’è Linus che intervista Mauro e Fabietto Cataneo, il futuro X-Form), i primi strumenti dell’home studio (Roland S-330, Roland S-550, Akai S1100, pilotati dal Notator installato su computer Atari) e l’avventura con la Media Records di Gianfranco Bortolotti che lo introduce ufficialmente alla produzione discografica.

Ad onor del vero il primo disco Picotto lo incide per la Discomagic di Severo Lombardoni nel 1990, all’indomani della vittoria della citata Walky Cup. Si intitola “Pump The Scratch” ed è firmato D.J. Pic 8 ma, come ci rivela ai tempi di Decadance Appendix, «di mio, in “Pump The Scratch”, c’erano solo gli scratch, il lavoro fu curato interamente da Francesco Caudullo (Madaski) degli Africa Unite ma fu utilizzato il mio nome visto che poco tempo prima avevo vinto la Walky Cup su Italia 1, e quindi si pensò di sfruttare la pubblicità derivata. Per tale motivo non lo considero un mio brano, al contrario di “We Gonna Get” scelto dalla Media Records come follow-up del progetto R.A.F., l’anno seguente, nel 1991».

Altra tematica affrontata nel libro è quella del ghost producer che, contrariamente a ciò che molti oggi pensano, è un ruolo inventato decenni fa. Infatti Picotto, proprio in relazione alle sue prime esperienze da produttore, ricorda che «ai tempi i dischi si facevano per gli altri. Quando firmai il contratto come R.A.F. la cosa mi disturbava ma mi ero fatto convincere che i produttori stavano da una parte e l’immagine artistica dall’altra. Produrre un brano dove tu raccogli frutti ma sarà un altro a goderne la gloria lasciava un vuoto». A Picotto, è evidente, il ruolo di ghost producer stava piuttosto stretto, ed infatti dopo qualche anno, periodo in cui affina la tecnica e le conoscenze in studio di registrazione, debutta col suo vero nome, prima “customizzando” il vecchio R.A.F. in R.A.F. by Picotto e poi lanciandosi con le coordinate anagrafiche verso risultati incredibili, soprattutto in relazione al fatto che non ci fosse internet e tutta la guerrilla marketing odierna. Picotto è ad oggi l’italiano che ha raggiunto la posizione più alta nella Top 100 DJs di DJ Mag: ottavo, nel 2001 (quando non esistevano ancora i social network).

Il “lizard man” prosegue il racconto, parlando di BXR, un’etichetta che ha lasciato il segno perché riuscì nella difficile impresa di creare uno standard a cui in tantissimi si ispirarono spesso dimostrandosi solo ordinari epigoni, imponendo prima la Mediterranean Progressive e poi la SuperTechno. Quando parla del post BXR invece, rivela vicissitudini che portarono qualche intoppo, come il fallimento della Prime Distribution che vanificò gli sforzi profusi con “Alchemist EP” («vendette oltre dodicimila copie e fece numerose licenze ma perdemmo tutto, oltre quarantamila sterline»). Il destino vuole che anche per Alchemy, etichetta che Picotto fonda in quel periodo con Riccardo Ferri, qualcosa non giri subito per il verso giusto, giacché la CPL Distribution chiude battenti pochi mesi dopo la firma del contratto. Ma trovano la forza di ripartire, sempre e comunque.

Il racconto del DJ non è mai appesantito da troppi dettagli tecnici che potrebbero rivelarsi noiosi. La sua è una storia che si legge con piacere, in modo scorrevole e lineare, tanto che in certi momenti pare quasi di averlo accanto, soprattutto quando narra le disavventure aeree e le avventure all’estero, ai quattro angoli del pianeta, non tralasciando neanche dettagli personali sulla famiglia. Insomma, un Picotto a tutto tondo che si rivela non solo come DJ ed artista ma anche come uomo, con un cuore che palpita per gli affetti e che poi accelera le pulsazioni per seguire i BPM della Techno. (Giosuè Impellizzeri)

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Mauro Picotto – The Test (Underground)

Mauro Picotto - The TestRoncadelle, autunno 1996: analogamente a quanto accade con la BXR circa un anno prima, alla Media Records decidono di riportare in vita un’etichetta finita “in letargo” per qualche tempo, la Underground, sino a quel momento nota per Anticappella, Pagany e Mars Plastic, varie licenze (Frequency 4, Praga Khan, 2 Unlimited, Kid ‘N’ Play, Freefall, Utah Saints, Bass Is Base, PKA, T-Ram) ma anche per aver aperto la carriera discografica di Molella (“Je Vois” del 1990).

Il nuovo corso è segnato sia dalla nuova numerazione del catalogo, sia dal restyling grafico. Il logo della metropolitana londinese viene rimpiazzato da un altro legato ancora al tube della capitale inglese ma ispirato dalla mappa con tanto di fermate (design che comunque dura poco visto che nell’autunno del 1997 tutto si minimalizza fondandosi sull’alternanza tra bianco e nero, penultima declinazione grafica dell’etichetta). A varare la “seconda vita” della Underground è Mauro Picotto, da anni nella scuderia di Bortolotti ma sino a quel momento mai espostosi discograficamente col suo nome anagrafico, fatta eccezione per il progetto R.A.F. by Picotto ed altri timidi tentativi come l’inglesizzazione M-Peak-8 per “I Can’t Bear” e l’acronimizzato MP8 per “Progressive Trip” (contenente “My House”, una sorta di “Bakerloo Symphony”), che tanto ricorda il DJ Pic 8 degli esordi sulla Discomagic di Severo Lombardoni.

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Mauro Picotto negli studi della Media Records in una foto scattata a fine anni Novanta

Il pezzo si chiama “The Test” e preannuncia la svolta stilistica che avrebbe presto riguardato il DJ piemontese, sempre meno Mediterranean Progressive e sempre più Techno. La Pacific Mix è la versione che meglio sottolinea le nuove inclinazioni artistiche di Picotto, con una velocità sostenuta di crociera, un essenziale sample vocale (recentemente ripreso da Alex Gray & Silvio Carrano nella loro “My Girlfriend Is Acid”) ed una corroborante acid line, ulteriormente sviluppata dall’autore, ma con divagazioni Trance, in “Magic Flight” (dal “Global Mixes EP”, sulla stessa etichetta).

«La mia metamorfosi stilistica era iniziata, la traccia simboleggiava chiaramente la direzione del sound che volevo intraprendere, decisamente più Techno» racconta oggi Picotto. Ed aggiunge: «Non fu però un brano di grande risalto, infatti rimase nell’underground. Più che altro era un test, proprio come attestò lo stesso titolo».

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Mauro Picotto in un’altra fotografia scattata nel 1998

Il disco è di colore bianco latte e non si rivela un caso isolato giacché la scelta riguarda altre pubblicazioni su Underground (“Le Plaisir” di Ricky Effe è verde, “To The Unknown Man” di Plasmaphobia è arancione, “Plastika” di Alberto Visi è giallo, l’EP di Jakyro è blu, “Cyber Frog” di DJ Ciro & Gianni Agrey è marmorizzato, “Madness” di Zicky Il Giullare è rosa, e sporadicamente ne escono altri ancora come “Elettronica” di Franchino – arancione – e “Tyson” di Cominotto – verde – ).

“The Test”, realizzato insieme a Riccardo Ferri, è infilato in una copertina di plastica trasparente (confezione tipica per i vinili colorati), e presenta le etichette centrali completamente bianche. Crediti e titoli si rinvengono su un allegato cartaceo posto tra la copertina e il disco. La scelta di apporre tali dati su un supporto diverso dal vinile viene adottata nel 1997 dalla BXR (a partire da “Music: An Echo Deep Inside” di Gigi D’Agostino), e nel 2000 dalla Sacrifice, ennesima etichetta della Media Records.

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Mauro Picotto nei corridoi della sede della Media Records (1999). La fotografia viene utilizzata l’anno dopo per la copertina di “Pegasus”

Per Picotto, che tende ad archiviare del tutto le trascorse esperienze con l’Eurodance (Club House, 49ers, Cappella, giusto per citare i più noti), si prospetta una carriera in ascesa, maturata ulteriormente in “Psychoway” (Underground, 1997, ispirato da “The Prophet” di CJ Bolland) e sfociata in “Lizard” (BXR, 1998), che apre la trilogia dei rettili e lo consacra a livello internazionale.

Contemporaneamente Underground affina la prospettiva stilistica e si configura come la “sorellina” di BXR, laboratorio in cui sperimentare senza lasciarsi influenzare da ciò che richiedono radio o classifiche di vendita. Oltre a vari progetti tenuti in piedi dagli artisti della stessa BXR (Mauro Picotto, Mario Più, Joy Kitikonti, Massimo Cominotto, Sandro Vibot, Ricky Effe, Gigi D’Agostino, Franchino, Fabio MC, talvolta “mascherati” con pseudonimi), Underground accoglie varie licenze tra cui “Rappelkiste” di Carsten Fietz, “Polly’s Pharmacy” dei Nüw Idol e la ricercata e ben quotata doppia a side “Please Don’t Rush / Mental Zone” firmata Agoria e DJ Twins. (Giosuè Impellizzeri)

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Mauro Miclini, “the compilation man”

Mauro MicliniNell’organico di Radio DeeJay dal febbraio del 1988, Mauro Miclini si occupa prima della regia di programmi e poi della programmazione musicale. Dal 1996 il suo nome è legato in modo particolare alla serie di una delle compilation più note e fortunate del nostro Paese, la “Hit Mania Dance”.

Come e quando scopri la musica per le discoteche?
Era il 1979, il mio amico Massimo aveva due giradischi a casa e mi fece scoprire la “magia” del mixer.

A quando risale invece il primo passo da DJ?
Al 1983: ogni mercoledì sera andavo in un locale, il Dancing Days a Darfo Boario Terme dove c’era la serata sui pattini. Lì il figlio del titolare mi faceva provare a mixare, tanto il pubblico non ballava. Credo di aver fatto cadere più di qualcuno 🙂

Nel 1988 arrivi a Radio DeeJay: cosa ricordi del periodo tra fine anni Ottanta e primi Novanta?
Il grande carisma di Claudio Cecchetto e la cura maniacale che si metteva in tutto, dal montaggio di uno spot pubblicitario ad una base.

Negli anni seguenti curi una collana di compilation molto popolare, “Hit Mania Dance”. Come nasce il progetto?
Per puro caso, incontrando nei corridoi della radio il discografico Giancarlo Meo (che negli anni Ottanta collabora con Claudio Simonetti in progetti come  Easy Going, Capricorn e Vivien Vee, oltre a produrre cult come “Bad Passion” di Steel Mind, “Dig It” di Kasso e il sempreverde “Gioca-Jouer” di Claudio Cecchetto, ndr).

Come era organizzata la preparazione di una compilation di quel tipo?
Fondamentale era la ricerca della musica. I primi volumi furono realizzati con l’ausilio di registratori a bobina, i famosi Revox, creando loop utilizzando gli anelli fatti col nastro tagliato ed incollato. Poi, col passare degli anni, la tecnologia ha facilitato l’intero processo produttivo.

Circolava voce che alcune etichette spingessero particolarmente per avere brani del proprio catalogo in compilation come quelle che hai mixato. Si tratta di voci infondate o esisteva davvero una sorta di payola discografica?
Tutti ambivano ad avere il maggior numero di brani ma solo chi aveva in mano le hit del momento esercitava la propria leadership, chiedendo di inserire anche qualcosa di meno forte ed incisivo. Fortunatamente le trattative erano seguite direttamente dall’etichetta e non da me.

Quale fu l’annata più fortunata?
Senza dubbio il 1999, totalizzavamo 300.000 copie ad uscita. Un record.

Quanto influiva negativamente il “mercato nero” delle cassette-pirata in ambito compilation?
Pesantemente: quel mercato era composto almeno dallo stesso numero di copie ufficiali che venivano vendute nei negozi di dischi.

Ti è mai capitato di non poter inserire un brano in una compilation?
Si, “Believe” di Cher, nel 1998. Per ripiegare facemmo realizzare una cover (quella di Like, ndr) obiettivamente brutta ma che comunque tornò utile.

Pensi che il declino del mercato delle compilation sia ormai irreversibile?
Si nell’attuale formato, bisogna trovare alternative come avviene su Spotify o Beatport con le playlist dei top DJ.

DeeJay Parade su Radio DeeJay, Los Cuarenta su Italia Network e Discomania Mix su Radio 105: grandi battaglie sugli ascolti ma anche grande visibilità per la Dance. La risposta su quale programma ti piacesse di più forse è scontata, siamo però curiosi di sapere se davate comunque un’occhiata alla programmazione musicale della concorrenza.
Albertino docet, però ascoltavo con piacere anche RIN, Radio Italia Network: grande Alex Benedetti!

Per quanto riguarda le compilation che selezionavi e mixavi, ti sentivi un po’ in competizione con quelle che venivano prodotte a Radio DeeJay?
Era una competizione sana. A giugno del 1999 inserimmo “50 Special” dei Lunapop e divenne il successo dell’estate. Le altre compilation arrivarono a quel brano in netto ritardo, solo a settembre.

Hai prodotto pochissimi brani nella tua carriera. Frutto di una tua precisa scelta?
Si, perché solo chi è capace deve fare dischi.

Come valuti la scena Dance mondiale attuale? L’Italia è ancora sulla “mappa” o è stata del tutto estromessa?
Siamo fuori dai giochi per eccesso di campanilismo, ma coi Vinai e Merk & Kremont qualcosa sta cambiando. Largo ai giovani DJ!

Da qualche tempo spiccano filoni che attingono pienamente dagli arrangiamenti e sample di quel decennio. Pensi che in futuro la Dance sarà sempre più vintagista?
Si, per forza.

(Giosuè Impellizzeri e Luca Giampetruzzi)

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Cladiv Project – The Reel (Ipnotika)

the reelRitmica terzinata, linea melodica prelevata da “Reel” dei Nova (datato 1982) e due versioni (nella release originale del 2000) simpaticamente intitolate “Stimolanteperleiversion” e “Ritardanteperluiversion”. Questa la ricetta, semplice ma vincente, di “The Reel” di Cladiv Project, pseudonimo dietro il quale si cela il noto DJ Claudio Diva.

«Il disco nacque in maniera abbastanza casuale: un giorno arrivò in Hitland un vinile di importazione tedesca che aveva una bellissima ritmica terzinata con suoni techno, ma malgrado questi particolari elementi la traccia a mio avviso sembrava un po’ troppo monotona in quanto priva di melodia. Così una sera, in studio, provai a ricreare una ritmica molto simile, sovrapponendola ad una melodia ispirata da un brano dei primi anni Ottanta», racconta lo stesso Claudio.

Il disco ottenne un buon successo nel 2001, «ma già quasi un anno prima avevo fatto realizzare degli acetati che suonavo in discoteca ed avevo distribuito a livello promozionale ad altri DJ per valutarne la potenzialità. Per il mercato francese fu realizzata persino una particolare versione cantata ma la fonetica della lingua del posto non si sposava bene col tiro techno del disco, infatti anche in quel territorio i DJ preferirono suonare sempre e solo la versione originale, quella strumentale».

Molti produttori, in seguito a “The Reel” seguono la scia della ritmica terzinata: «ricordo un disco di Carolina Marquez intitolato “Ritmo”, abbastanza simile nella stesura a “The Reel”, ma oltre a questo titolo furono diversi i tentativi fatti da altri nel realizzare tracce terzinate che a differenza delle classiche produzioni in 4/4 sono più difficili da produrre, non tanto in fase di costruzione ma in quella del gradimento del pubblico, oltre soprattutto all’utilizzo dei DJ in discoteca, poiché non molto facili da accostare in fase di mixaggio con altri brani in 4/4» conclude Diva. Il follow-up di “The Reel” è “Wrong Is Right”, che non riesce però a bissarne il successo. (Luca Giampetruzzi)

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Alfredo Violante, sulle ali della trance degli anni Novanta

Alfredo ViolanteCirca venticinque anni fa Alfredo Violante lascia l’Italia e vola in Inghilterra, dove si inserisce nella scena discografica e fonda, con Guido Gaule, l’Europlan Music Network, azienda-contenitore di varie etichette come Data e Supernova, a cui si aggiungono Single Vision, Proxima, Kronos e Storm. Le ispirazioni derivano dalla trance, soprattutto quella teutonica, ma non mancano deviazioni techno: la combinazione tra ritmo marcato, epiche melodie e ghirigori acidi si rivela attraverso numerose produzioni firmate con altrettanti pseudonimi. Tra le più note “Numera Stellas” di Solaris, del 1994, “Life Is So Realistic” di Moogability, del 1995, e “Guitara Del Cielo” di Barcelona 2000, che nel 1996 diventa popolare pure in Italia. Nel 1998 è Joe T. Vannelli a pubblicare sulla sua DBX Records, celebre per aver accolto nel proprio catalogo i pluridecorati dischi di Robert Miles, la doppia a-side “From Here To Eternity 99/Loving The Alien 99” che tira il sipario sul progetto Barcelona 2000. Violante nel frattempo prosegue il suo percorso artistico, variandone ulteriormente le matrici sino a toccare l’electro house nel nuovo millennio.

Nei primi anni Novanta ti trasferisci a Londra in cerca di successo, eppure oggi in tanti dipingono l’Italia di quel periodo come una landa felice e rigogliosa per la musica dance. Cosa o chi ti spinse ad emigrare all’estero?
In realtà quando giunsi a Londra la Dance non mi interessava per niente, soprattutto la House che non mi ha mai appassionato. Ma quando arrivarono i primi dischi della scena Rave con quei ritmi serrati e quelle sequenze aggressive, esplose la mia passione per l’elettronica.

Il primo disco che realizzasti oltremanica fu “Too Many People” di You, su Hypermode Records?
Sì, e fu un disco calcolato. Avevo appena abbandonato la strumentazione tradizionale e decisi di appoggiarmi ad uno studio di Brixton, l’Hazardous Dub Company, che era un gioiello della scena underground.

Bengodia

La copertina del singolo di Bengodia, edito dalla Panarecord nel 1987. Il gruppo è composto da Alfredo Violante, Guido Gaule e Christian Gardoni

Il tuo primo brano in assoluto però fu “There Is A World In My Hands” dei Bengodia, pubblicato in Italia dalla Panarecord nel 1987. Cosa ricordi di quell’esperienza, più vicina alla new wave/synth pop che alla musica da discoteca?
Ricordo l’insoddisfazione di fare musica inglese in Italia, ma penso sia una sensazione piuttosto comune. Ho preferito buttare via tutto pur sapendo che a Londra sarebbe stata ancor più dura.

Dopo i primi anni in cui era svincolata dalle classiche trafile burocratiche delle major, nella musica dance cambia qualcosa: perché fu cannibalizzata dalle multinazionali?
Perché le vendite raggiunsero una quota di mercato importante, probabilmente il 2%. Lentamente le major occuparono la scena del vinile e abbassarono il prezzo del prodotto. I piccoli negozi faticarono a competere e pian piano sparirono, ma il mercanteggio tra le piccole etichette e i negozi indipendenti era vitale per l’ecosistema della Dance.

Un fenomeno tipico degli anni Novanta su cui tanti, in Italia, hanno costruito la propria fortuna era quello dei promo provenienti dall’estero, soprattutto Inghilterra ed America.
Ai tempi la promozione inglese era esclusivamente nazionale, non c’era ancora una strategia europea quindi in Italia non arrivava niente. Quando un oggetto è raro e quasi introvabile si crea grande richiesta, soprattutto in Italia dove l’esclusività era molto importante nel DJing. Per questo si scatenò una vera e propria “guerra del promo”.

Alfredo Violante e Guido Gaule, 1992

Alfredo Violante e Guido Gaule nel 1992. Foto gentilmente concessa da Alfredo Violante

In Decadance Extra abbiamo dedicato un’intera sezione ai negozi di dischi italiani attivi negli anni Novanta, intervistando i titolari da Nord a Sud Italia, eppure solo pochi di loro hanno ammesso di aver fatto parte dell’ambito business dei dischi promo, o comunque hanno minimizzato quel che invece era un vero e proprio mercato nel mercato.
Per portare ambite copie promozionali in Italia bisognava avere una rete di contatti molto complessa, quindi non tutti i negozi potevano permettersela.

E il fenomeno “bootleg”, in riferimento a quei dischi che si moltiplicavano misteriosamente ad insaputa delle case discografiche e dei rispettivi autori?
Una scena che non conoscevo finché non sono usciti miei brani stampati a mia insaputa.

Quali erano, negli anni Novanta, le condizioni che potevano decretare una maggiore visibilità per un DJ?
Il vinile aveva un limite: quando vendevi troppo un’etichetta più grande ti comprava il pezzo. E faceva bene, perché poteva sfruttarlo meglio. Poi c’erano le compilation che a livello di royalties non erano superiori al vinile ma quando particolarmente importanti facevano la differenza. A me capitò con la “Renaissance Worldwide: London” mixata da Robert Miles nel 1997, in cui presenziava un mio pezzo firmato Moogability (“Houston Remix”, nda).

Alfredo Violante, sulle ali della 90s Trance

L’ingresso nella DeeJay Parade di “Guitara Del Cielo”, Pagellina n. 35, 12 ottobre 1996

Credo che in Italia il tuo disco più popolare resti “Guitara Del Cielo” di Barcelona 2000. Cosa puoi raccontare in merito?
Scrivevo anche cinque pezzi alla settimana ma scartavo quelli che non mi convincevano. La UCMG (Under Cover Music Group) era un grosso network tedesco, ed alcuni A&R venivano a casa mia per sentire quello che facevo. Presero proprio uno di questi scarti, “Guitara Del Cielo” di Barcelona 2000 (anche se per frequenti errori tipografici il titolo diventa “Guitarra Del Cielo” e l’autore Barcellona 2000, nda). Quando si fa più di un disco al mese è importante cambiare spesso nome artistico per non stufare, ed io ero già Solaris, Eta Beta, Moogability, Oracle 9000, DJ Supernova, Space Art, Speedlite, Mazda (ed altri ancora come Borgia, Brama-Siva-Vishnu, House Music Syndicate e Radiations condivisi con amici, nda). Così la UCMG si prese Barcelona 2000 e lo stampò subito su una della sue etichette, la Tide, ai tempi curata artisticamente da Nils Hess. “Guitara Del Cielo” nacque da un arpeggio appartenente ad un’altra mia composizione ossia “Mandrake” di Borgia, uscito su Heidi Of Switzerland nel 1994. Quel pezzo aveva delle bellissime parti melodiche ma trovavo che l’arpeggio fosse piuttosto sprecato. Così lo riutilizzai in Barcelona 2000 ma modificandolo, prima a -100% e poi a +100% di pitch rispetto all’originale. Allargando la visione anche al nuovo millennio, un altro mio pezzo che ha funzionato in Italia risale al 2007, “Frangetta” de Il Deboscio, progetto molto particolare in cui la differenza la fece il testo scritto da mio cugino, Davide Colombo.

Barcelona 2000

Le due stampe italiane di “Guitara Del Cielo”. Su entrambe il nome dell’artista viene erroneamente riportato come Barcellona 2000

Come mai in Italia “Guitara Del Cielo” venne pubblicato contemporaneamente da due etichette diverse, ossia la Top Secret Records del gruppo Dig It International e la Moonlite del gruppo Time?
Un giorno la UCMG mi chiamò chiedendomi a chi volessi licenziarlo in Italia. Normalmente con questi dischi Trance senza particolari ambizioni era già tanto ricevere un’offerta, quindi risposi che, se avessi potuto scegliere, avrei optato per la Self. Però non ero a conoscenza del fatto che Albertino stesse suonando con entusiasmo il brano nel DeeJay Time (facendolo entrare anche nella DeeJay Parade il 12 ottobre, seppur rimanga in classifica per sole due settimane, nda). Di conseguenza tutte le distribuzioni italiane volevano il pezzo! Altra cosa che non sapevo è che la UCMG aveva già firmato un contratto con la Dig It International che si era fatta avanti per prima, ma poi, giacché continuavano a fioccare proposte via fax (il vero protagonista della comunicazione negli anni Novanta), avevano provato a rifirmarlo con la Self. Quindi esistevano due contratti validi con due case di distribuzione che litigavano e si denunciavano a vicenda, a cui se ne aggiunsero altre due che lo stamparono abusivamente. Risultato? Includendo la versione import, sul mercato giunsero ben cinque versioni di Barcelona 2000. Il pezzo entrò in molte compilation Progressive e in tanti mi chiamarono chiedendomi cosa stesse succedendo. La UCMG fece il comprensibile errore di firmare la prima offerta, non immaginando che da lì a breve ne sarebbero arrivate molte altre. Ne firmarono una seconda cercando (inutilmente) di disdire la prima, ma la frittata ormai era fatta. Ci vollero circa due anni per ottenere i miei compensi. Negli anni Novanta “Guitara Del Cielo” fu l’unico dei miei brani ad entrare nella programmazione di Albertino (ma a proporlo per primo su Radio DeeJay è Molella nel suo Molly 4 DeeJay, già a settembre, nda).

Esiste anche una terza versione del pezzo, edita dalla Discomagic di Severo Lombardoni ma firmata The Typhoon. Eri sempre tu sotto mentite spoglie?
No e ad essere sincero non l’ho mai vista, anche se me ne hanno parlato.

Nel 1994 inauguri il catalogo della Supernova Records con “Numera Stellas” di Solaris. Come mai quattro anni più tardi, quando uscirono due nuove versioni, quel pezzo divenne di Barcelona 2000?
È una melodia che funziona e vende, quando ho bisogno di soldi e voglio andare a colpo sicuro la ripropongo. L’ho rifatta ancora nel 2004 col titolo “Capricorn” e l’alias Polybeat.

Alfredo Violante in studio nel 1995

Alfredo Violante in studio nel 1995. Foto gentilmente concessa dallo stesso Violante

Con quali strumenti creavi la tua musica? Dove acquistavi le macchine? Nuove o di seconda mano?
Quando avevo quattordici anni avevo tutte le Roland originali ma le vendetti nel momento in cui sul mercato giunsero le tastiere digitali. Negli anni Novanta me le andai a cercare (e comprare) una ad una da privati. Allestimmo lo studio in un appartamento a Londra, in Gloucester Road, che in tanti conoscono benissimo, da Francesco Farfa ai fratelli D’Arcangelo, dal compianto Alex Silverfish ad etichette come Dig It International e Platipus. Davvero tutti passavano da noi. Avevamo persino una stanza per gli ospiti equipaggiata con la prima PlayStation. Un periodo davvero strepitoso.

Quali erano i tuoi riferimenti? A chi ti ispiravi?
Ho due dischi-chiave che rappresentano il mio gusto negli anni Novanta, “Airborn” di Mirage e “Symmetry” di Brainchild, entrambi editi dalla Eye Q Records di Sven Väth, Heinz Roth e Matthias Hoffmann.

Chi fu il personaggio-cardine della scena italiana negli anni Novanta?
Nella musica elettronica Francesco Farfa guidava il gruppo. La mia impressione è che il trend lo decretasse solo lui. I suoi set erano molto complessi e poliedrici, tipici di un periodo dove c’era ancora molta ricerca. Poi i sottogeneri si irrigidirono ed emersero le serate a tema dove il suono era sempre un po’ lo stesso. Farfa si impadronì della fase iniziale, la più affascinante ed avventurosa.

Qual è stato l’ultimo disco che ti ha positivamente colpito?
Per me il momento più interessante fu quando la drum n bass si liberò dei sample Hip Hop velocizzati ed incominciò ad usare le sonorità della Techno. Aphex Twin rielaborò il tutto creando suoni e ritmiche mai sentite prima. Poi il nulla. Adesso siamo in piena fase Roland TR-808, poi tornerà la TR-909 e via dicendo. Ma arriveranno anche cose nuove, quelle per fortuna non mancano mai.

(Giosuè Impellizzeri)

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Format HD – Nonoxynol-10 / Tedrasodium (Single Vision)

Format HDSono trascorsi esattamente venti anni da quando viene pubblicato il disco dei Format HD, ossia i fratelli Marco e Fabrizio D’Arcangelo, Marco Lenzi e Guido Gaule. Ma come scocca la scintilla tra di loro? Ci racconta tutto Marco D’Arcangelo: «Incontrai Lenzi da Silverfish, negozio di dischi in Charing Cross Road, durante i primi mesi della mia lunga permanenza in Inghilterra, nel 1994. Divenni un assiduo frequentatore di quel posto (fondato nel 1991 dal compianto Alex Silverfish noto anche come DJ Lowenbandiger, e diventato punto di ritrovo per scultori, musicisti, poeti e registi, ndr) tanto da cominciare ad eseguire qualche lavoro per loro. Durante quel periodo pensammo di creare un’etichetta Techno, la Molecular Recordings, e il progetto Intermolecular Forces. Io e mio fratello Fabrizio vivevamo un momento pieno di ispirazioni e quindi valutammo come muoverci a livello discografico. Tra i nostri amici c’erano (e ci sono ancora oggi) Alfredo Violante e Guido Gaule, che ai tempi gestivano Europlan Music Network, un pool di etichette (le due principali erano la Supernova e la Data, ndr) . Era l’occasione perfetta per creare una sinergia».

“Nonoxynol-10” è un macigno di serrato Techno groove che piange lacrime acide. Però non sembra essere una Roland TB-303 quella che striscia contro il ritmo, il suono è meno spesso, più vicino a certe cose Goa Trance che ai tempi uscivano con frequenza, ipotizzabile quindi che fosse una Roland MC-202. “Tedrasodium”, sul lato b, si posiziona tra Techno e 90s Hard Trance, di quella che fa leva sul marcato ipnotismo e non su cori da stadio o canzoni da intonare sotto la doccia.

Il disco rappresenta l’unica uscita su Single Vision (nome profetico quindi), «che creammo appositamente per questo progetto» rammenta D’Arcangelo. «Ci incontravamo tutti nello studio di Violante e Gaule, in Gloucester Road, scambiandoci pareri ed esperienze, oltre a confrontarci sulla produzione. Unimmo le forze per mettere sul mercato qualcosa che potesse unire le idee di tutti». Single Vision e Format HD, nonostante i buoni propositi, nascono e muoiono con questo 12″: «eravamo tutti molto impegnati in altri campi, inoltre la dimestichezza e i mezzi per poter stampare e distribuire materiale ci impedì di trovare accordi per dare un seguito all’etichetta – curata in primis da Gaule – e allo stesso progetto Format HD. Accadde lo stesso per la Sphere, su cui accomodammo solo due brani di Monomorph in salsa semi Techno, “Metoh” ed “Hyperlight”. Gli impegni con la Rephlex ci spinsero a fare altro».

I due pezzi dei Format HD comunque arrivano in Italia, attraverso la milanese Dig It International che lo licenzia sulla S.O.B. – Sound Of The Bomb ma trascrivendo male un titolo: “Nonoxynol-10” diventa “Monoxinol-10”. «La Dig It International era legata a filo doppio con noi, sia perché distribuiva in Italia i nostri prodotti (nel mondo invece eravamo distribuiti da Prime Distribution), sia perché io e Guido trattavamo la maggior parte del promozionale inglese, dalla House alla Progressive, quindi licenziavano molti dei nostri dischi. Tra 1995 e 1996 tutta la Progressive, dalle chart di DiscoiD e Tendence a quella selezionata da DJ come Francesco Farfa, la trattavamo solo noi. Però in soli sei mesi a Londra il fenomeno si affievolì lasciando spazio ad altre commistioni, mentre in Italia la Progressive resse per anni, perché era percepito come un container di altri generi. Il negozio di riferimento era Good Music di Genova» svela il citato Alfredo Violante. Che continua: «La strumentazione per Format HD era tutta analogica, chiaramente le classiche Roland (TR-909, TB-303, SH-101, MC-202), un Moog ed un campionatore Ensoniq, uno strumento incredibile, molto caldo rispetto al freddissimo Akai. Inoltre avevamo un Fostex D824 su cui registravamo le passate di synth dal vivo. Solo quella che suonava meglio veniva poi riversata sul DAT finale». (Giosuè Impellizzeri)

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